David Zwirner is pleased to present Assum Preto, an exhibition of new and recent works by Brazilian artist Lucas Arruda, on view at the gallery’s Paris location. This marks the artist’s third solo presentation with the gallery.
Arruda’s paintings are intricate, meditative compositions that blur the boundaries between mnemonic and imaginative registers, while bringing into form a complex rendition of landscapes that is more a product of a state of mind than a depiction of reality. The exhibition is titled after a species of blackbird native to eastern Brazil—whose mundane birdsong, according to local tradition, is said to transform into a beautiful melody if the bird’s eyesight has been shaded—Assum Preto continues Arruda’s investigations into light and darkness, and their metaphysical effects. As the artist observes, blindness makes the birds look internally and sing in an organized harmony.
The exhibition features a number of seascapes, jungles, and monochromes, and a new large, abstract composition—all part of the artist’s ongoing Deserto-Modelo series—as well as a light installation. In these works, Arruda’s textured brushwork foregrounds the materiality and physicality of paint. For the monochromes, he adds layer upon layer of paint to pre-dyed raw canvas, methodically returning to each work for weeks or even months on end until the composition is transformed into an ethereal wall of light that unfolds slowly. The landscapes, on the other hand, are made on prepared surfaces using a reductive process whereby the impression of light is attained through the subtraction of pigment.
Devoid of specific reference points, the semi-abstract seascapes are all grounded only by their thin horizon lines. Above and below this border, charged atmospheric conditions engage further dichotomies between sky and earth, the ethereal and the solid, the psychic and the visual. The jungles, by contrast, dwell in verticality and form allusive associations with the rainforests that populate the artist’s native Brazil. Flat and impenetrable, their quasi-mythical scenery revolves around a tension between imagination and reality.
Rather than recalling a particular locale, both the seascapes and the jungles are instead painted from memory, encouraging meditative solitary contemplation. As curator Chris Sharp suggests, “Their composition [is the] byproduct of an act of decomposition.… One does not get the impression that the artist is trying to recall something so much as trying to conjure it into being.”1
The largest work on view in Assum Preto marks a new departure in Arruda’s practice. Measuring close to two meters in height and rendered almost entirely in tones of soft beige, the painting features symmetrical and overlapping arrangements of circles, lines, and arcs. Arruda approaches abstraction through a visual language that is as geometric as it is atmospheric; he synthesizes pictorial impulses from the monochromes, jungles, and seascapes, abstracting his own oeuvre into a symbolic and spiritual ideogram that draws its compositional solutions from Brazil’s rich and varied artistic tradition of popular painters and additionally recalls the visionary tableaux of Swedish artist Hilma af Klint. Yet even here, Arruda’s fascination with the realm of nature as a sensory phenomenon still holds. His planar forms drift and dissolve into one another, creating enigmatic and poetic images of sun, moon, storm, and sea.
Arruda will additionally present a light installation that furthers his investigations into symbolism, illusion, and perception. The site-specific installation—a version of which was first exhibited in the artist’s 2019 solo exhibition at the Fridericianum in Kassel, Germany—comprises a series of paired rectangles rendered directly on the gallery wall, the top one created through a light projection and the bottom one physically applied in paint. Together, these constructions crystallize the genre of landscape into its most elemental form.
Born in 1983 in São Paulo, Brazil, Lucas Arruda received his BFA from Faculdade Santa Marcelina, São Paulo, in 2009. His work is on view in the solo exhibition Lugar sem Lugar at the Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, until April 17, 2022. This presentation traveled from the Fundação Iberê Camargo, Porto Alegre, Brazil, in 2021. In 2019, Arruda presented the solo exhibition Deserto-Modelo at the Fridericianum, Kassel, Germany. He has also received various solo presentations, at Mendes Wood DM, São Paulo (2021, 2018, 2016, 2014, 2012, 2010, and 2009); New Century Art Foundation | Pond Society, Shanghai (2020); Éditions Cahiers d’Art, Paris (2018); Pivô, São Paulo (2015); Lulu, Mexico City (2015); Frederic Snitzer, Miami (2012); Centro Cultural São Paulo (2011); i-20 Gallery, New York (2011); and 713 Arte Contemporáneo, Buenos Aires (2010). Work by the artist is included in the exhibition Jusque-là (Thus Far) at Le Fresnoy – Studio national des arts contemporains in Tourcoing, France, through April 30, 2022.
The artist’s first monograph was published in 2018 by Éditions Cahiers d’Art, Paris, with texts by Fernanda Brenner, Chris Sharp, and Hans Ulrich Obrist. In 2020, David Zwirner Books published a volume on Arruda’s work, featuring contributions by Barry Schwabsky and Will Chancellor.
Arruda has participated in numerous international group exhibitions, including Particularities, X Museum, Beijing (2021); Luogo e Segni, Punta della Dogana, Venice (2019); Nature + Abstraction, Fondation Beyeler, Basel (2018); New Shamans/Novos Xamãs: Brazilian Artists, Rubell Family Collection, Miami (2016); Kiti Ka’aeté, The Modern Institute, Glasgow (2015); and Os Primeiros 10 Anos, Instituto Tomie Ohtake, São Paulo (2012), among others. The artist’s work was featured in Secret Wing, Art Encounters Biennial 2021, Timișoara, Romania; the 1st International Biennial of Asunción, Cry of Liberty, Asunción, Paraguay (2015); and La Bienal 2013, Here Is Where We Jump!, Museo del Barrio, New York.
Arruda has been represented by David Zwirner since 2018. His work is included in the permanent collections of the Centre Pompidou, Paris; Fondation Beyeler, Basel; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC; J. Paul Getty Museum, Los Angeles; Moderna Museet, Stockholm; Museum of Fine Arts, Boston; Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo; Pinault Collection, Paris; Rubell Museum, Miami; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Stedelijk Museum, Amsterdam; and Tate Modern, London. Arruda lives and works in São Paulo.
1 Chris Sharp, “Lucas Arruda: The Creation of Silence,” in Lucas Arruda (Paris: Éditions Cahiers d’Art, 2018), p. 12.
Image: Lucas Arruda, Untitled (from the Deserto-Modelo series), 2021
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David Zwirner a le plaisir de présenter Assum Preto, une exposition de travaux récents et inédits de l’artiste brésilien Lucas Arruda (né en 1983), dans les espaces de la galerie à Paris. Il s’agit de la troisième exposition de l’artiste avec la galerie.
Les peintures de Lucas Arruda sont des compositions riches et méditatives qui brouillent les frontières entre les registres mnémonique et imaginatif, tout en donnant forme à une interprétation complexe des paysages, qui est davantage le résultat d’un état d’esprit que la représentation de la réalité. Tirant son nom d’une espèce de merle originaire de l’est du Brésil – dont le chant habituel, selon la tradition locale, se transforme en une belle mélodie lorsque l’oiseau perd la vue –, Assum Preto poursuit les recherches de Lucas Arruda sur la lumière et l’obscurité et sur leurs effets métaphysiques. Comme l’observe l’artiste, la cécité développe chez les oiseaux un regard d’ordre intérieur qui les fait chanter en une harmonie organisée.
L’exposition présente un ensemble de paysages marins, de paysages de jungle, des monochromes et une nouvelle grande composition abstraite – des œuvres toutes extraites de la série Deserto-Modelo de l’artiste – auxquels s’ajoute une installation lumineuse. Dans ces œuvres, le pinceau texturé de Lucas Arruda met en avant la matérialité et la physicalité de la peinture. Pour les monochromes, l’artiste appose la peinture couche après couche sur de la toile brute préteinte, revenant méthodiquement sur chaque œuvre durant des semaines, voire des mois, jusqu’à ce que la composition soit transformée en un mur éthéré de lumière, qui se déploie lentement. Quant aux paysages, ils sont réalisés sur des surfaces préparées à l’aide d’un processus de réduction par lequel l’impression de lumière est obtenue par soustraction du pigment.
Dépourvus de points de référence spécifiques, tous les paysages marins semi-abstraits ne trouvent comme point d’ancrage qu’une fine ligne d’horizon. Au-dessus et en dessous de cette frontière, des conditions atmosphériques tourmentées enduisent d’autres dichotomies entre le ciel et la terre, l’éthéré et le matériel, le psychique et le visuel. Les jungles, enrevanche, s’inscrivent dans la verticalité et induisent d’allusives associations avec les forêts tropicales qui recouvrent le Brésil, pays natal de l’artiste. Plats et impénétrables, leurs paysages quasi-mythiques s’articulent autour d’une tension entre réalité et imagination.
Plutôt que de rappeler un lieu particulier, les paysages marins et les jungles sont peints de mémoire, ce qui invite à la contemplation méditative et solitaire. Comme le suggère le commissaire de l’exposition Chris Sharp : « leur composition [est le] sous-produit d’un acte de décomposition… on n’a pas l’impression que l’artiste essaie de se souvenir de quelque chose, mais essaie plutôt de le faire apparaître. »1
L’œuvre de très grand format exposée dans le cadre d’Assum Preto marque un tournant nouveau dans la pratique de Lucas Arruda. Mesurant près de deux mètres de hauteur et presque entièrement réalisée dans des tons de beige clair, la peinture présente des arrangements symétriques et superposés de cercles, de lignes et d’arcs. Lucas Arruda aborde l’abstraction par le biais d’un langage visuel aussi géométrique qu’atmosphérique ; il synthétise les impulsions picturales des monochromes, des jungleset des paysages marins, réduisant de façon abstraite son œuvre à un idéogramme symbolique et spirituel qui puise ses solutions de composition dans la tradition artistique riche et variée des peintres populaires du Brésil et rappelle en outre les tableaux visionnaires de l’artiste suédoise Hilma af Klint. Mais la fascination de Lucas Arruda pour la nature en tant que phénomène sensoriel reste toujours présente. Ses formes planes dérivent et se dissolvent les unes dans les autres, créant d’énigmatiques
et poétiques images de soleil, de lune, de tempête et de mer.
Lucas Arruda présente également une installation lumineuse qui développe ses recherches sur le symbolisme, l’illusion et la perception. Cette installation site-specific – dont une version a été présentée pour la première fois lors de l’exposition individuelle de l’artiste au Fridericianum de Kassel en Allemagne, en 2019 – comprend une série de paires de rectangles projetés directement sur le mur de la galerie, celui d’en haut issu d’une projection lumineuse et celui d’en bas résultant de l’application de la peinture. Ensemble, ces constructions cristallisent le genre du paysage dans sa forme la plus élémentaire.
Né en 1983 à São Paulo au Brésil, Lucas Arruda est diplômé en Beaux-Arts de la Faculdade Santa Marcelina de São Paulo en 2009. Une exposition personnelle, Lugar sem Lugar, lui est actuellement consacrée jusqu’au 17 avril 2022 à l’Instituto Tomie Ohtake de São Paulo. Cette exposition itinérante fut présentée en 2021 à la Fundação Iberê Camargo de Porto Alegre, au Brésil. En 2019, Lucas Arruda
a présenté une exposition personnelle Deserto-Modelo au Fridericianum de Kassel, en Allemagne. Diverses expositions monographiques lui ont été consacrées, notamment à la Mendes Wood DM à São Paulo (2021, 2018, 2016, 2014, 2012, 2010 et 2009), à la New Century Art Foundation à Shanghai (2020), aux Éditions Cahiers d’Art à Paris (2018), au Pivô à São Paulo (2015); au Lulu à México (2015), à la Frederic Snitzer Gallery à Miami (2012), au Centro Cultural São Paulo (2011), à la i-20 Gallery à New York (2011) et à la Gallería 713 Arte Contemporáneo, à Buenos Aires (2010). Des œuvres de l’artiste sont présentées dans le cadre de l’exposition Jusque-là au Fresnoy - Studio national des arts contemporains de Tourcoing jusqu’au 30 avril 2022. La première monographie de l’artiste a été publiée en 2018 par les Éditions Cahiers d’Art (Paris), avec des textes de Fernanda Brenner, Chris Sharp et Hans Ulrich Obrist. En 2020, David Zwirner Books a publié un ouvrage sur le travail de Lucas Arruda avec des contributions de Barry Schwabsky et Will Chancellor.
Lucas Arruda a participé à de nombreuses expositions collectives internationales, entre autres : Particularities au X Museum à Pékin (2021), Luogo e Segni à la Punta della Dogana de Venise (2019), Nature + Abstraction à la Fondation Beyeler à Bâle (2018), New Shamans/Novos Xamãs : Brazilian Artists à la Rubell Family Collection à Miami (2016), Kiti Ka'aeté à The Modern Institute de Glasgow (2015) et Os Primeiros 10 Anos à l’Instituto Tomie Ohtake à São Paulo (2012). Le travail de l’artiste a été présenté dans Secret Wing lors de l’Art Encounters Biennial 2021, à Timișoara en Roumanie, à la Ier Biennale internationale d’Asunción, Cry of Liberty, à Asunción au Paraguay (2015) et à La Bienal 2013,
Here Is Where We Jump!, du Museo del Barrio à New York.
Arruda est représenté par David Zwirner depuis 2018. Ses œuvres figurent dans les collections permanentes du Centre Pompidou de Paris, de la Fondation Beyeler à Bâle, du Hirshhorn Museum and Sculpture Garden à Washington, du J. Paul Getty Museum à Los Angeles, du Moderna Museet à Stockholm, du Museum of Fine Arts de Boston, de la Pinacoteca do Estado de São Paulo, de la Collection Pinault à Paris, du Rubell Museum à Miami, du Solomon R. Guggenheim Museum de New York, du Stedelijk Museum d’Amsterdam et de la Tate Modern de Londres. Lucas Arruda vit et travaille à São Paulo.
1 Chris Sharp, « Lucas Arruda : The Creation of Silence », in Lucas Arruda, Paris, Éditions Cahiers d’Art, 2018, p.12.
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